ARTISTAS+DE+LA+MUSICA+CLASICA!

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**MÚSICA CLÁSICA!**

**ARTISTAS: **
= Serguéi Rajmáninov =

Serguéi Vasílievich Rajmáninov (Серге́й Васи́льевич Рахма́нинов) (Semiónovo, 1 de abril de 1873 - Beverly Hills, 28 de marzo de 1943) fue un compositor, pianista y director de orquesta ruso, uno de los últimos grandes compositores románticos de música clásica europea y considerado uno de los pianistas más influyentes del siglo XX.

Algunas transliteraciones de su nombre incluyen Sergey o Serge, y Rachmaninov, Rachmaninow, Rahmaninov, Rahmanyinov o Rakhmaninov, Rakhmaninoff, Rachmaninoff, etc. Fue el cuarto de una familia de seis hermanos, de los cuales uno murió en sus primeros meses de vida. Su padre, Vasili Rajmáninov, era un ex-oficial de la armada rusa, con graves dificultades económicas al momento de nacer el niño. Pese a ello, Rajmáninov vivió unos primeros años felices. Como era tradicional en su familia, fue orientado musicalmente desde muy joven, recibiendo sus primeras clases de piano, por parte de su madre, a los seis años de edad. En 1882, su padre volvió a sufrir otra seria crisis financiera, y en esta ocasión tuvo que abandonar su hogar de Oneg junto a su familia, mudándose a un pequeño apartamento en San Petersburgo.

Allí sufrieron las consecuencias de una epidemia de difteria, muriendo Sofía, su segunda hermana mayor. Este trágico suceso afectó seriamente a la madre del pequeño Serguéi, quien culpó a su marido del trágico acontecimiento. Vasili abandonó a su familia poco tiempo después. A los 9 años, Rajmáninov fue inscrito en el conservatorio de San Petersburgo, gracias a la ayuda económica de su abuela materna. Sin embargo, no fue un buen alumno debido a su comportamiento, llegando al punto de falsificar sus notas. Al suspender por completo el curso de 1885, la junta directiva del conservatorio lo expulsó. Aun así, fue admitido en el conservatorio de Moscú, bajo las enseñanzas de Nikolái Zvérev, gracias a la intervención de su primo Aleksandr Ziloti, compositor famoso de la época.



= Aleksandr Skriabin =

leksandr Nikoláyevich Skriabin (Александр Николаевич Скрябин; normalmente transliterado como Scriabin) (Moscú, 6 de enero de 1872 - Moscú 27 de abril de 1915), fue un compositor y pianista ruso, considerado uno de los mayores exponentes del posromanticismo y el atonalismo libre. Fue uno de los compositores más influyentes e innovadores de la historia de la música. Scriabin nació en Moscú. Estudió piano a una temprana edad, tomando lecciones con Nikolái Zvérev que era al mismo tiempo profesor de Sergéi Rajmáninov. Estudió luego en el Conservatorio de Moscú con Antón Arenski, Sergéi Tanéyev, y Vasili Safónov. Se convirtió en un pianista notable a pesar de sus pequeñas manos que cubrían poco más de una octava (en alguna ocasión incluso se lastimó al practicar piezas que requerían mayor alcance). Scriabin se interesó sucesivamente en la teoría del Übermensch de Nietzsche y en la teosofía, y ambas teorías influyeron su música y su pensamiento musical. Entre 1909 y 1910 vivió en Bruselas, donde se interesó en el movimiento teosofista de Delville y profundizó en las lecturas de Helena Blavatsky (Samson 1977).

Dane Rudhyar, teosofista y compositor, escribió que Scriabin fue "el gran pionero de la nueva música del renacimiento de la civilización occidental, el padre de la música del futuro" (traducido del inglés, Rudhyar 1926b, 899) y un antídoto para "los reaccionarios latinos y su apóstol, Stravinski" y la música "ordenada por la regla" del "grupo de Schoenberg" (Ibid., 900-901).

Hipocondríaco de por vida, Scriabin murió en Moscú de septicemia. Antes de su muerte, planificó un trabajo multimedia que se presentaría en el Himalaya, sobre el Armagedón, "una grandiosa síntesis religiosa de todas las artes que anunciaría el nacimiento de un nuevo mundo". La pieza, "Mysterium", quedó inacabada.

Estaba emparentado con Viacheslav Mólotov, político ruso y epónimo del cóctel molotov. El apellido de nacimiento de Molotov era Scriabin.

Sus obras son un reto extremadamente complejo. Primero hay que resolverlas técnicamente (la Sonata Nº 4 termina con un prestissimo volando de dificultad legendaria); segundo, estudiarlas estilísticamente porque las primeras recuerdan a Chopin y las últimas son modernísimas para su tiempo. Finalmente hay que sumergirse en sus ocultos contenidos que van de la confidencia romántica de las sonatas juveniles al esoterismo misterioso: la N° 9 se llama Misa Negra o Sonata De La Obscuridad, la N° 7 Misa Blanca o Sonata De La Luz, la N° 5 trae un epígrafe del poema del Éxtasis y la N° 6 según el mismo Scriabin ¨Tiene facetas demoníacas, y fue inspirada por el demonio¨. Algunos de los pianistas que más éxito han alcanzado con la interpretación de obras de Scriabin son Vladimir Sofronitzky,Vladimir Horowitz y Robert Taub; este último las grabó entre 1994 y 2005, en uno de sus registros mas reveladores.

Scriabin estuvo interesado en la teoría del Übermensch (superhombre o suprahombre) de Friedrich Nietzsche y, posteriormente, en la teosofía. Ambas influirían su música y sus ideas musicales. Entre 1909 y 1910 vivió en Bruselas, interesándose en el movimiento teosofista de Delville y continuando su estudio de Hélène Blavatsky. El teosofista y compositor Dane Rudhyar escribió que Scriabin era "el gran pionero de la nueva música del renacimiento de la civilización occidental, el padre de la música futura", y un antídoto contra los "reaccionarios latinos y su apóstol, Stravinsky" y la música "regulada" del grupo de "Schoenberg".[cita requerida] Scriabin desarrolló su muy propio y abstracto misticismo basándose en el papel del artista en relación con la percepción y la afirmación de la vida. Sus ideas sobre la realidad se acercan a las de Platón y Aristóteles pero de manera etérea e incoherente. Las principales fuentes de su pensamiento filosófico pueden encontrarse en sus numerosos cuadernos inéditos, en uno de los cuales escribió su famoso "Yo soy Dios". Además de notas, contienen complejos diagramas técnicos que explican su metafísica. Scriabin también usó la poesía como medio para expresar sus nociones filosóficas, aunque casi todo su pensamiento filosófico fue llevado a la música, siendo el ejemplo más reconocible su 7ª sonata mesiánica.



= Giacomo Puccini = Giacomo Antonio Domenico Michele Secondo Maria Puccini, (* Lucca, 22 de diciembre de 1858 - † Bruselas, 29 de noviembre de 1924) fue un compositor italiano de ópera, considerado entre los más grandes, de fines del siglo XIX y principios del XX. Nació en Lucca, localidad toscana.Es uno de los pocos compositores de ópera capaces de usar brillantemente las técnicas operísticas alemana e italiana. Se le considera el sucesor de Giuseppe Verdi. Algunas de sus melodías como "O mio babbino caro" de Gianni Schicchi y "Nessun Dorma" de Turandot forman parte hoy día de la cultura popular.

Su primera ópera fue Le Villi (1884) y su primer triunfo Manon Lescaut (1893). Además de doce óperas, Puccini escribió otras obras notables, como una Misa solemne, un Himno a Roma, un capricho sinfónico, dos preludios sinfónicos y tres minués para cuarteto de cuerda. Nacido en una familia de músicos (los Puccini fueron durante generaciones maestros de cámara del Duomo (Catedral) de Lucca), después de haber perdido a su padre a la edad de cinco años, fue enviado a estudiar con su tío Fortunato Magi, que le consideró un alumno no particularmente dotado y sobre todo indisciplinado.

Más tarde consiguió el puesto de organista y maestro de coro en Lucca. La leyenda dice que la decisión de dedicarse al teatro musical le vino después de asistir en 1876 a una representación de Aida de Verdi en Pisa, a donde había llegado a lomo de una mula. Corresponden a este periodo las primeras composiciones escritas, entre las que destacan una cantata (I figli d'Italia bella, 1877), un motete (Mottetto per San Paolino), 1877) y una Misa (1880). <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">En 1880, con la ayuda de un pariente y una beca, consiguió inscribirse en el Conservatorio de Milán para estudiar composición con Antonio Bazzini y Amilcare Ponchielli. En ese mismo año, a la edad de 21 años, compuso la Misa, que marca la culminación de la larga relación de su familia con la música religiosa. Aunque Puccini la llamó correctamente la Messa, una Misa, se la conoce popularmente como la Misa de Gloria.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Esta obra anticipa la carrera de Puccini como compositor de ópera, al mostrar atisbos de la capacidad dramática que más tarde liberaría en la escena, ya que las poderosas arias para tenor y bajos solistas son más operísticas de lo habitual en música religiosa. Además, la orquestación y la potencia dramática la comparan con la Misa de Réquiem de Verdi. Mientras estudiaba en el Conservatorio, Puccini obtuvo un libreto de Ferdinando Fontana y participó en un concurso para realizar una ópera de un acto en 1882. Aunque no ganó el concurso, Le Villi se representó en 1884 en el Teatro dal Verme de Milán y llamó la atención de Giulio Ricordi, editor de música, que le comisionó una segunda ópera para estrenar en el Teatro de la Scala de Milán, pero Edgar (1889), que le costó cinco años de trabajo, no tuvo mucho éxito y en los decenios posteriores sufrió sucesivas modificaciones radicales sin llegar a entrar en el "repertorio".

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Entre tanto, en 1884, Puccini había formado una familia, iniciando una convivencia con Elvira Bonturi, mujer del farmacéutico de Lucca Narciso Gemignani, que duró, con vicisitudes, toda la vida. Elvira aportó su hija Fosca, y en 1886, nació Antonio, llamado Tonio, el único hijo del compositor.



=<span style="color: #008080; display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Nikolái Rimski-Kórsakov = <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Nikolái Andréyevich Rimski-Kórsakov (en ruso: Никола́й Андре́евич Ри́мский-Ко́рсаков, Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov, pronunciado [nʲɪkəˌlaj ˌrʲim.skʲɪj ˈkorsəkəf], 6 de marzojul./ 18 de marzo de 1844greg. – 8 de juniojul./ 21 de junio de 1908greg.)[nota 1] fue un compositor ruso miembro del grupo de compositores conocido como Los Cinco.[nota 2] Fue un maestro de la orquestación. Sus obras orquestales más conocidas, el Capricho español, la Obertura de la Gran Pascua Rusa y la suite sinfónica Scheherazade, son considerados obras principales del reportorio de música clásica, así como las suites y fragmentos de alguna de sus quince óperas. Scheherazade es un ejemplo de su empleo frecuente de los cuentos de hadas y temas populares.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Rimsky-Korsakov creía, como su compañero compositor Mily Balakirev y el crítico Vladimir Stasov, en el desarrollo de un estilo nacionalista de música clásica. Este estilo emplea canciones populares y tradicionales rusas así como elementos armónicos, melódicos y rítmicos exóticos, práctica conocida como orientalismo musical, absteniéndose del empleo de los métodos compositivos tradiconales occidentales. Sin emabrgo, Rimsky-Korsakov llegó a valorar dichas técnicas cuando ocupó el puesto de profesor de composición, armonía y orquestación musical en el Conservatorio de San Petersburgo en 1871. Emprendió un riguroso programa de tres años autodidacta y se convirtió en un maestro de los métodos occidentales, incorporándolos junto a las influencias de Mikhail Glinka y el resto de compañeros de Los Cinco. Su técnica de composición y orquestación se vieron enriquecidas más aún con su descubrimiento de las obras de Richard Wagner.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Durante la mayor parte de su vida, Rimsky-Korsakov combinó la composición y la enseñanza con la carrera militar, primero como oficial en la marina imperial de Rusia, luego como inspector civil de bandas de música navales. Escribió en sus memorias que la pasión por el océano nació en su niñez al leer libros y escuchar las hazañas de su hermano mayor en la marina. Su amor por el mar pudo haberle influido para esribir dos de sus obras orquestales más conocidas, el cuadro musical Sadko (no confundir con su ópera posterior del mismo nombre) y Scheherazade. A través de su servicio como Inspector de Bandas Navales, Rimsky-Korsakov expandió su conocimiento de la técnica de los instrumentos de viento-madera y metal, perfeccionando así sus habilidades en el campo de la orquestación. Transmitió sus conocimientos a sus estudiantes y además de manera póstuma a través de un manual sobre orquestación que fue finalizado por su yerno, Maximilian Steinberg.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Rimsky-Korsakov dejó una gran cantidad de composiciones nacionalistas rusas originales. Preparó obras de Los Cinco para ser interpretadas, que las convirtieron en parte del repertorio clásico (aunque existe controversia acerca su edición de las obras de Modest Mussorgsky), y formó una generación de jóvenes compositores y músicos durante las décadas que ejerció como educador. Rimsky-Korsakov es, por tanto, considerado el «principal arquitecto» de lo que el público aficionado a la música considera el estilo ruso de componer.[1] Su influencia en compositores de generaciones siguientes fue significativa. El estilo de Rimsky-Korsakov se basaba en el de Glinka, Balakirev, Héctor Berlioz y Franz Liszt, «transmitiendo este estilo directamente a dos generaciones de compositores rusos» e influyendo no sólo a compositores rusos, sino también a compositores tales como Maurice Ravel, Claude Debussy, Paul Dukas y Ottorino Respighi.



=<span style="color: #008080; display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Edvard Grieg = <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Edvard Hagerup Grieg (15 de junio de 1843 - † 4 de septiembre de 1907) fue un pianista y compositor noruego. Son especialmente destacables su Concierto para piano en la menor y la música incidental que, encargada por el escritor Henrik Ibsen, escribió para su drama Peer Gynt o las más intimistas Piezas líricas, para piano <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Edvard Grieg nació en Bergen (Noruega), el 15 de junio de 1843, descendiente de una familia de escoceses, cuyo apellido original era "Greig"—después de la Batalla de Culloden, en 1746, su bisabuelo había inmigrado por varios lugares, para finalmente asentarse como comerciante en Bergen, Noruega, alrededor del año 1770—.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Edvard creció en un ambiente musical. Su madre, Gesine, fue su primera profesora de piano. Más tarde, en el verano boreal de 1858, Grieg conoció al legendario violinista Noruego Ole Bull, quien fue amigo de la familia y cuñado de Gesine. Bull descubre el talento del muchacho de 15 años y convence a sus padres de enviarle al Conservatorio de Leipzig para que lo desarrolle. Grieg ingresó entonces en el conservatorio especializándose en piano posteriormente en el año de 1858, y pronto encontró recompensa en los numerosos recitales y conciertos dados en Leipzig. Sintió bastante aversión a la disciplina impartida en el conservatorio, aun así, alcanzó muy buenos resultados en la mayoría de las áreas, con excepción del órgano, el cual era obligatorio para los estudiantes de piano. En la Primavera de 1860, contrajo una peligrosa enfermedad pulmonar. Un año después, hizo su debut como concertista de piano, en Karlshamn, Suecia. El año siguiente finalizó sus estudios en Leipzig y realizó su primer concierto en su ciudad natal de Bergen donde ejecutó algunas obras complejas técnicamente, incluyendo la sonata Patética de Beethoven.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">En 1863, Grieg fue a Copenhague, Dinamarca, y permaneció allí por tres años. Conoció entonces a los compositores Daneses J. P. E. Hartman y Niels Gade. También conoció al compositor Noruego Rikard Nordraak (compositor del Himno nacional de Noruega) quien se convirtió en un gran amigo y en una fuente de inspiración para Grieg. Nordraak murió poco después, Grieg compuso en su honor una marcha fúnebre. Grieg tenía lazos cercanos con la Orquesta Filarmónica de Bergen (Harmonien) y fue director Musical de la orquesta desde 1880 hasta 1882. También vio a Franz Liszt en dos ocasiones en Copenhague.El 11 de junio de 1867, Grieg contrajo matrimonio con su prima hermana, Nina Hagerup, a quien había conocido también en Copenhague. Al año siguiente, nació Alejandra su única hija. En el verano siguiente, Grieg escribió su famoso Concierto para piano en la menor mientras estaba de vacaciones en Dinamarca. Edmund Neupert dio un concierto de su primer trabajo en Copenhague. Grieg no pudo asistir debido a los compromisos de dirección que tenía en Christiania (Oslo). En el verano boreal de 1869, mientras Grieg se encontraba de paso en Bergen, Alejandra enfermó de meninigitis y posteriormente falleció, cuando tenía apenas 13 meses de edad. Una vez que Edvard y Nina se restablecieron medianamente de la pérdida, fueron a Roma incentivados por el gobierno noruego, y fueron invitados a una reunión con Franz Liszt, quien expresó su aprecio por el Concierto para piano en la menor de Grieg. Liszt, hábil pianista, tocó la línea de piano y el arreglo de la parte orquestal, leyéndolos a primera vista y en tiempo real (lo cual es un enorme desafío musical y técnico). Posteriormente criticó constructivamente el trabajo de Edvard y le dijo: "Siga firme en su camino. En verdad le digo, usted tiene capacidad. Y sobre todo, no se deje intimidar". Esto fue un factor muy importante y alentador en la carrera de Grieg. Liszt escribió también un testimonial a los directores Noruegos, lo que condujo a Grieg a conseguir una beca.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Pero mientras la vida profesional de Grieg continuaba, su vida personal se deterioraba cada vez más: En 1875 fallecieron sus padres, evento que lamentablemente dejó tanto a Nina como a Edvard sin una casa a la cual retornar en Bergen. Posteriormente y sobre todo por dolor, Grieg deja a Nina pero al año siguiente se reconcilian y vuelven a vivir juntos. Edvard Grieg falleció en el otoño de 1907, a los 64 años de edad, en el hospital de Bergen, víctima de una enfermedad crónica en uno de sus pulmones. El funeral condujo a miles de personas a las calles de su ciudad natal para honrarlo, y conforme a su deseo, la marcha fúnebre que había compuesto para Rikard Nordraak fue interpretada por una orquesta, en la cual se hallaba inmerso como miembro a su amigo Johan Halvorsen; también fue ejecutada en la ceremonia la marcha fúnebre compuesta por Frédéric Chopin. Sus cenizas y las de su esposa fueron sepultadas en una tumba de una montaña frente a un lago, situado cerca a su casa, en Troldhaugen.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Grieg es considerado como un compositor nacionalista, reflejando la inspiración de la música folclórica noruega. Sus primeros trabajos incluyen una “Sinfonía en do menor” y una “Sonata para piano en mi menor Op. 7”. También escribió tres sonatas para violín y piano, y muchas pequeñas obras para piano — por esto algunos lo llamaron el Chopin del Norte —, a menudo inspirado en danzas y canciones populares de Noruega, los fiordos y paisajes de su país y el dialecto hadangar. <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Entre las obras más conocidas encontramos el Concierto para Piano en La menor, la Suite Holberg (para orquesta de cuerdas), y diez volúmenes de piezas líricas (para piano). También es conocido por su música incidental, compuesta por encargo de Henrik Ibsen para su obra literaria Peer Gynt La mañana fue un favorito de Carl Stalling, quien a menudo lo usó para algunos cortos en Warner Bros; esta obra, al contrario de lo que muchos piensan, fue creada para representar un amanecer en el desierto del Sahara, y no uno en los fiordos de Noruega.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">En la gruta del rey de la montaña, cuarta pieza de la primea suite de Peer Gynt, fue utilizada en 1931 para la película "M, el vampiro de Düsseldorf", de Fritz Lang, y por Rick Wakeman en su "Journey to the Centre of the Earth" (1973). El mismo tema es retomado en el videojuego "Doriath" (1982) y "Manic Miner" (1983). Otra versión de la misma obra está incluida en el álbum The Circus del dúo británico de synthpop Erasure del año 1987. En 1995, Ritchie Blackmore la recreó en el último trabajo de Rainbow (Stranger in us all). Además, la banda finlandesa Apocalyptica hizo una versión de ésta en su álbum de 2001 Cult. El grupo músical The Who, por otro lado, cuenta con su propia versión, aparecida en el albúm The Who Sell Out. En 2010, una modificación de esta pieza fue parte de la banda sonora de la película The social network. Además, es notoría la similitud de esta composición con el tema central en de la serie animada "El Inspector Gadget". También se le utilizó como leif motif del personaje Gargamel en Los Pitufos.El primer movimiento del concierto para piano de Grieg es usado en el film Lolita de Adrian Lyne en 1997. El tema Tapt ap Hav (2005) de la banda noruega Midnattsol está basada en la Canción de Solveig (Solveig's song) e incluye la letra de Henrik Ibsen interpretada por Carmen Elise Espenæs. <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">La canción "Forever" del disco Karma de la banda Kamelot está basada en "Solveig's Song".



=<span style="color: #008080; display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Antonín Dvořák = <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Antonín Leopold Dvořák (pronunciado /ˈantɔnjiːn ˈdvɔr̝aːk) fue un compositor checo (nacido en Nelahozeves el 8 de septiembre de 1841 y fallecido en Praga el 1 de mayo de 1904), posromántico y nacionalista, uno de los grandes compositores de la segunda mitad del siglo XIX. Sin perder una amplia proyección internacional, supo extraer las esencias de la música de su tierra (Bohemia). Sin duda su obra más célebre es la Sinfonía del Nuevo Mundo). <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Nació en Nelahozeves, pequeña población al norte de Praga, el 8 de septiembre de 1841. Su padre, Frantisek Dvořák, poseía un reducido establecimiento hotelero. En Zlonice recibió las primeras enseñanzas musicales y aprendió a tocar el violín, el piano y el órgano. De 1857 a 1859 residió en Praga en casa de un tío suyo mientras estudiaba en la Escuela de Órgano de la ciudad. Cuando su tío no pudo mantenerle por más tiempo, trabajó en la orquestina de Karel Komzák como medio de ganarse la vida, adquiriendo cierta reputación como intérprete. En 1886 pasó a la orquesta del Teatro Nacional de Praga que dirigía Bedrich Smetana.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">En 1873 saltó a la fama con su composición “Himno Patriótico”, de hondo calado nacionalista. Ese mismo año obtuvo el reconocimiento internacional con su colección de “Danzas eslavas”. En el verano de 1874 consiguió una beca del gobierno austriaco de 400 florines en mérito a las composiciones que presentó. Visitó Inglaterra en nueve ocasiones, generalmente para presentar y dirigir su propia música, la primera fue en 1884, cuando fue nombrado miembro de honor de la Sociedad Filarmónica de Londres. Más tarde, en 1891, recibiría el título de Doctor Honorario de Música por la Universidad de Cambridge. También, en 1889, la Orden de la Cruz de Hierro otorgada por el emperador Francisco José I, en 1891 el doctorado “honoris causa” por la Universidad de Praga, y un sillón en la Academia de Ciencias y Bellas Artes de Checoslovaquia y de Berlín. Invitado por Tchaikovsky estuvo en San Petersburgo y Moscú ejecutando sus propias obras.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Una etapa singular de su vida fue la que pasó en Estados Unidos. Jeannette Thurber, fundadora del Conservatorio de Nueva York, le ofreció la dirección del centro, lo que le determinó a trasladarse allí en 1892. Bajo la influencia de los “espirituales negros” y de la música popular compuso la "Sinfonía del Nuevo Mundo" y el conocido “Cuarteto americano”. Regresó a su país en 1895 para hacerse cargo de la dirección del Conservatorio de Praga. Aquí murió de una congestión cerebral el 1 de mayo de 1904.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">En 1873 ejerció como organista en la iglesia de San Adalberto en Praga. Precisamente fue la estabilidad de este puesto lo que le permitió contraer matrimonio con Anna Čermáková. Cierta anécdota recogida por Filkenstein es muy significativa del respeto que el pueblo inspiraba a Dvořák. Su hijo solía contarla: En Vysoka dijo a unos mineros que tenía en proyecto una ópera en la que quería que aparecieran mineros de verdad, usando incluso las mismas máquinas que empleaban en las explotaciones de Příbram y Brezohorské. Les prometió que en la primera representación en el Teatro Nacional dispondrían de lugares de preferencia en la sala a fin de que pudieran dar su opinión sobre si se había logrado en ella una sensación de realidad, de autenticidad. En este caso revelador Dvořák se mostraba no sólo proclive a que el pueblo fuera protagonista de una ópera, sino también a que se atribuyera un papel crítico. <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">En el verano de 1874 obtuvo una beca del gobierno austriaco de 400 florines por el mérito obtenido con su Sinfonía nº 3. Dvořák ganaría esta beca en dos ocasiones más, en concreto en los años 1876 y 1877. En el jurado que las evaluaba estaba Johannes Brahms, quien le dispensó su voto y su duradera amistad. La intermediación de éste último consiguió la publicación de algunas obras con la importante editorial de partituras Simrock. <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Las interpretaciones en el exterior se multiplicaron, especialmente las Danzas eslavas, la Sexta sinfonía y el Stabat Mater, y con ellas más encargos.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Visitó el Reino Unido en nueve ocasiones, generalmente para presentar y dirigir su propia música; la primera fue en 1884, cuando fue nombrado miembro de honor de la Sociedad Filarmónica de Londres. El buen trato recibido en tierras inglesas le llevó a escribir La novia del espectro (1884) y el Réquiem (1890) para Birmingham, la Séptima sinfonía para la Sociedad Filarmónica (1885) y Santa Ludmila para Leeds (1886). Más tarde, en 1891, recibiría el título de Doctor Honorario de Música por la Universidad de Cambridge. <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">No fueron estas las únicas distinciones que recibió en vida; en 1889, la Orden de la Cruz de Hierro otorgada por el emperador Francisco José I, en 1891 el doctorado honoris causa por la Universidad de Praga, y un sillón en la Academia de Ciencias y Bellas Artes de Checoslovaquia y de Berlín. <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Invitado por Chaikovski, visitó Rusia en 1890. Estuvo en San Petersburgo y Moscú ejecutando sus propias obras. Por entonces seguía estrenando nuevos trabajos en Praga y Londres. <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Antes de abandonar Europa para marcharse a Estados Unidos, recorrió Bohemia interpretando el nuevo Trío Dumky. La que pasó en Estados Unidos fue una etapa singular de su vida. Jeannette Thurber, fundadora del Conservatorio de Nueva York le ofreció la dirección del centro, lo que le convenció a trasladarse allí en 1892. Bajo la influencia de los cantos espirituales de los negros norteamericanos y de la música popular estadounidense, así como de los ritmos de los aborígenes norteamericanos, compuso la Sinfonía nº 9 (más conocida como Sinfonía del Nuevo Mundo), el Quinteto para cuerdas en mi bemol mayor y el conocido Cuarteto americano. De este período también cabe mencionar su Concierto para violonchelo y orquesta, que rápidamente se convirtió en una de las obras más apreciadas para este instrumento solista.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Las dificultades económicas y los lazos familiares le llevaron de vuelta a Praga en 1895, donde empezó a escribir poemas sinfónicos y donde vio recompensados sus esfuerzos en el ámbito de la música dramática por el éxito de la ópera Rusalka (1901). También empezó a enseñar en el Conservatorio de Praga (donde, entre sus pupilos con más talento, se encontraban Josef Suk y Vítězslav Novák). Objeto de honores y premios de todo signo, permaneció humilde y de gustos sencillos, leal a su nacionalidad checa. Murió en su patria de una congestión cerebral el 1 de mayo de 1904, contando con 62 años de edad.



= Piotr Ilich Chaikovski = <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Piotr Ilich Chaikovski (en ruso: Пётр Ильич Чайковский, pronunciado (Speaker Icon.svg escuchar); 25 de abriljul./ 7 de mayo de 1840greg. – 25 de octubrejul./ 6 de noviembre de 1893greg.)[b] fue un compositor ruso del período del Romanticismo. Es autor de algunas de las obras de música clásica más famosas del repertorio actual, como por ejemplo los ballets El lago de los cisnes y El cascanueces, la Obertura 1812, la obertura-fantasía Romeo y Julieta, el Primer concierto para piano, el Concierto para violín, sus sinfonías Cuarta, Quinta y Sexta (Patética) y la ópera Eugenio Oneguin. <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Nacido en una familia de clase media, la educación que recibió Chaikovski estaba dirigida a prepararle como funcionario, a pesar de la precocidad musical que mostró. En contra de los deseos de su familia, decidió seguir una carrera musical y en 1862 accedió al Conservatorio de San Petersburgo, graduándose en 1865. La formación que recibió, formal y orientada al estilo musical occidental, lo apartó del movimiento contemporáneo nacionalista conocido como el «Grupo de los Cinco» conformado por un grupo de jóvenes compositores rusos, con los cuales Chaikovski mantuvo una relación profesional y de amistad a lo largo de su carrera. <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Mientras se desarrollaba su estilo, Chaikovski escribió música en varios géneros y formas, incluyendo la sinfonía, ópera, ballet, música instrumental, de cámara y la canción. A pesar de contar con varios éxitos, nunca tuvo mucha confianza o seguridad en sí mismo y su vida estuvo salpicada por las crisis personales y periodos de depresión. Como factores que contribuyeron a esto, pueden mencionarse su homosexualidad reprimida y el miedo a que se revelara su condición, su desastroso matrimonio y el repentino colapso de la única relación duradera que mantuvo en su vida adulta: su asociación de 13 años con la rica viuda Nadezhda von Meck. En medio de esta agitada vida personal, la reputación de Chaikovski aumentó; recibió honores por parte del Zar, obtuvo una pensión vitalicia y fue alabado en las salas de conciertos de todo el mundo. Su repentina muerte a los 53 años suele atribuirse generalmente al cólera, pero algunos lo atribuyen a un suicidio. <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">A pesar de ser popular en las audiencias de todo el mundo, Chaikovski recibió a veces duras críticas por parte de críticos y compositores. Sin embargo, su reputación como compositor de importancia es hoy en día segura, y ha desaparecido por completo el desdén con el que los críticos occidentales a principios y mediados del siglo XX catalogaban su música como vulgar y falta de pensamiento.

=<span style="color: #008080; display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Modest Músorgski = <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Modest Petróvich Músorgski, en ruso: Модест Петрович Мусоргский (Karevo, Pskov, 21 de marzo de 1839 — 28 de marzo de 1881), fue un compositor ruso. Nótese que su nombre se pronuncia Modést y no Módest. <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Modest Músorgski nació el 21 de marzo de 1839 (9 de marzo, según el calendario juliano, que se utilizó en Rusia hasta 1918), en la aldea rusa de Karevo (Pskov, al norte de Rusia), en una región campesina donde vivió sus primeros diez años. Ya mayor, volvía con frecuencia y permanecía largas temporadas, saturándose la sensibilidad y el humor de la gente de su pueblo, para evocarlas después en la música que componía. De salud quebrantada y una vida de estrechez, a su carácter nervioso se unía una extrema sensibilidad que le permitía captar una visión exacta y consciente del pueblo. A partir de los veinte años su espíritu le cantó a los inocentes, a los pobres y a los desamparados. A diferencia de algunas composiciones de escasa trascendencia que escribió en su juventud, en su etapa de máxima creatividad se dedicó plenamente a concebir a través de su arte una imagen fiel de la vida, con predominio de la verdad sobre la belleza.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">A los 27 años de edad, la hermana de Borodín describió a Músorgski como «un brillante oficial en el regimiento de Preobrazhensky», actividad que alternaba con la música, y aunque eran frecuentes las acometidas del padecimiento nervioso que lo aquejó casi toda su existencia, el amor por la música lo impulsaba a sobreponerse con renovado entusiasmo. Modest Músorgski, si bien no alcanzó todo su potencial, poseía un prometedor talento musical, que le convirtió en uno de los más prominentes compositores rusos. Su originalidad, energía e ímpetu no lo hicieron invulnerable a los vicios, dejando inacabados algunos encargos y acortando prematuramente su vida.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Músorgski cayó en una profunda depresión tras el fallecimiento de su madre. El pintor ruso Ilyá Repin realizó un retrato de Músorgski pocos días antes del deceso de éste, que en contraste evidente con la descripción anterior, lo muestra avejentado y deshecho por el alcohol, con los cabellos en desorden y en bata de enfermo, aunque con una mirada sumamente expresiva y dulce. Murió el 28 de marzo de 1881, pocos días después de cumplir los 42 años de edad.

=<span style="color: #008080; display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Max Bruch = <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Max Christian Friedrich Bruch (6 de enero de 1838 - 2 de octubre de 1920) fue un compositor y director de orquesta alemán de la época romántica de la música clásica. Su padre fue inspector de policía y su madre una soprano. De pequeño Bruch ya mostró talento para la música y recibió clases. De ahí que a los 11 años ya había compuesto algunas obras que se interpretaron en público. En 1852, cuando sólo tenía 16 años, ya compuso su primera sinfonía y un cuarteto de cuerdas, lo que le valió un premio de la Fundación Mozart en Fráncfort del Meno y una beca.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Al año siguiente, Bruch inició sus estudios de música en Fráncfort, que prosiguió más adelante en Leipzig. Después de cinco años terminó su formación y trabajó durante tres años en Colonia como profesor de música. Entre 1861 y 1865 realizó numerosos viajes por Alemania, Austria, Francia y Bélgica, donde dio recitales como director de orquesta. Al final de ese periodo aceptó el cargo de director de música en Coblenza y más adelante de director de orquesta en Turingia. En 1870, Bruch se instaló en Berlín, donde volvió a trabajar como profesor de música. En 1880, a los 42 años, se casó con una cantante, con la que tuvo cuatro hijos. Fue nombrado en ese mismo año director de la Orquesta Filarmónica de Liverpool, en Inglaterra, donde permaneció tres años y donde escribió su obra concertante para violonchelo y orquesta Variaciones sobre el Kol Nidrei, dedicada a la comunidad judía de la ciudad. A continuación dirige la orquesta de la ciudad de Breslau (entonces Alemania), hasta que se hace cargo en 1891 de la dirección de la escuela de composición en Berlín. En los años siguientes, Bruch es distinguido en repetidas ocasiones. Recibe el título de profesor honoris causa por las universidades de Cambridge y de Berlín. En esta última ciudad ingresa en la academia de Bellas Artes como miembro de la dirección.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">En los diez últimos años de su vida, Bruch renuncia a sus cargos y se dedica por entero a la composición. Entre sus obras más importantes se encuentran sus conciertos para violín, de las que destaca por su popularidad el Concierto en sol menor. También son muy conocidas hoy en día su Fantasía escocesa, para violín y orquesta, y sus Variaciones sobre el Kol Nidre, para violonchelo y orquesta, basadas en melodías hebreas. Bruch compuso otras muchas obras que fueron populares en su época, como sus tres sinfonías y otras obras orquestales, sus óperas - entre ellas especialmente Loreley - y sus obras corales. Bruch murió a los 82 años de edad.

=<span style="color: #008080; display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Georges Bizet = <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">georges Bizet (París, 25 de octubre de 1838 - Bougival, 3 de junio de 1875) fue un compositor francés perteneciente al periodo romántico. Llamado Georges por sus familiares y amigos, es conocido por este nombre, aunque su verdadero nombre era Alexandre César Léopold. <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Procedente de una familia de músicos, Bizet fue un niño prodigio, y con sólo nueve años ingresó en el Conservatorio de París, donde fue discípulo de Zimmermann, Marmontel y Halévy. En 1857 compartió un premio ofrecido por Jacques Offenbach con la ópera en un acto Le Docteur Miracle, y obtuvo el codiciado Premio de Roma. Según las condiciones de la beca, estudió en Roma durante tres años, periodo en el que dio muestras de su talento con obras como la Sinfonía en Do y la ópera Don Procopio. Aparte de este periodo de residencia en Roma, Bizet pasó toda su vida en el área de París.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Tras su estancia en Roma volvió a París, donde se dedicó por completo a la composición. En 1863 compuso Les pêcheurs de perles (Los pescadores de perlas) para el Teatro Lírico. Durante este periodo Bizet escribió también la ópera La jolie fille de Perth (La hermosa muchacha de Perth), su famosa L'Arlésienne (La arlesiana) escrita como música incidental para una obra de Alphonse Daudet, y la pieza para piano Jeux d'enfants (Juegos de niños). También escribió la ópera romántica Djamileh, a la que se suele considerar como precedente de Carmen. <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Carmen, compuesta en 1875, es sin duda la ópera más conocida de Bizet. La obra está basada en una novela de 1846 del mismo título escrita por Prosper Mérimée, y en ella el compositor muestra la influencia de Giuseppe Verdi. Compuesta pensando en una mezzo-soprano para el rol protagonista, Carmen no fue un éxito en su estreno; esto desanimó a Bizet, quien no obstante recibió las alabanzas de colegas tan preclaros como Camille Saint-Saëns, Piotr Illich Tchaikovsky o Claude Debussy, cuyas opiniones serían compartidas con el tiempo por buena parte del público, que convertiría Carmen en una de las obras más populares del repertorio operístico.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Bizet no tuvo ocasión de disfrutar del éxito póstumo de Carmen: tres meses después de estrenarse la ópera, y coincidiendo con una grave depresión fruto al parecer del fracaso de la misma, el compositor moría a la temprana edad de 36 años, coincidiendo con el sexto aniversario de su matrimonio. La causa oficial del fallecimiento fue un fallo cardíaco debido a un «reumatismo articular agudo». Sus restos fueron enterrados en el cementerio de Père Lachaise de su ciudad natal. Aunque conocido sobre todo en su faceta de compositor de óperas, Bizet fue en su tiempo también un extraordinario pianista que mereció los elogios del mismísimo Franz Liszt, quien después de haberlo escuchado interpretar una compleja partitura, lo calificó como uno de los pianistas más brillantes de Europa.

=<span style="color: #008080; display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Camille Saint-Saëns = <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Charles Camille Saint-Saëns (París, 9 de octubre de 1835 — Argel, 16 de diciembre de 1921) fue un Compositor, director de orquesta, organista y pianista francés de música académica.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Músico muy dotado —fue un virtuoso pianista y también un excelente improvisador al órgano—, espíritu curioso por todo, escritor, caricaturista, gran viajero, Saint-Saëns desempeñó un papel excepcional en la renovación de la música francesa, tanto por su enseñanza —tuvo como alumnos, entre otros, a Gabriel Fauré y a André Messager—, como, sobre todo, por su actividad en favor de la música nueva —fue uno de los fundadores de la «Société Nationale de Musique», destinada a tocar y difundir la música francesa. Puede considerársele un jalón esencial de la renovación que condujo a Claude Debussy y a Maurice Ravel. Saint-Saëns fue un intelectual multifacético. Desde pequeño se dedicó al estudio de la geología, la arqueología, la botánica y la entomología (específicamente a la rama de los lepidópteros). Fue también un excelente matemático. Además de la actividad musical como compositor, intérprete y crítico, se dedicó a las más variadas disciplinas, y se entretuvo en discusiones con los mejores científicos europeos y escribió doctos artículos sobre acústica, ciencias ocultas, escenografía teatral en la Roma Antigua e instrumentos antiguos. Fue miembro de la Sociedad Astronómica de Francia, poseía un telescopio, y organizaba sus conciertos de tal modo que coincidieran con algunos acontecimientos astronómicos (como eclipses solares). También escribió una obra filosófica, Problemas y misterios, un volumen de poesía, Rimes familières, y la comedia La crampe des écrivains, que tuvo un gran éxito.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Su extensa obra —elaboró más de 400 composiciones, en las que abordó casi todos los géneros musicales— es muy ecléctica, de un gran clasicismo y de una perfección a menudo un poco forzada, lo que ha motivado que se la considere demasiado académica (en Francia, sobre todo). Sin embargo, a menudo es una música de gran belleza, con una gran calidad de escritura. Fue también el primer gran compositor que escribió música para el cine. Aunque vivió casi siempre en París, se consideraba hijo adoptivo de Dieppe, pequeña ciudad de la Alta Normandía, donde se instaló en 1888. Hoy día su legado se expone en el Château-Musée de dicha localidad, en una sala expresamente dedicada a él, el salón Saint-Saëns. = = =<span style="color: #008080; display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Johannes Brahms = Johannes Brahms (Hamburgo, 7 de mayo de 1833 - Viena, 3 de abril de 1897) fue un pianista y compositor alemán de música clásica del Romanticismo. A Brahms se le considera el más clásico de los compositores románticos, manteniéndose fiel toda su vida al clasicismo romántico y conservador influenciado por Mozart, Haydn y en especial Beethoven. Fue posiblemente el mayor representante del círculo conservador en la “Guerra de los románticos”. Sus oponentes, los progresistas radicales de Weimar, estaban representados por Franz Liszt, los miembros de la posteriormente llamada Nueva Escuela Alemana, y por Richard Wagner.

Nació en Alemania, donde su obra romántica, conservadora y con un clasicismo muy contenido no fue bien recibida. Debido a esto, en 1862 se autoexilió en Viena, donde creó lo mejor de su repertorio sinfónico y de conciertos para instrumentos solistas diversos. Las expresiones Las tres bes o La santa trinidad (frase acuñada por Hans von Bülow) se refieren a Bach, Beethoven y Brahms como tres de los mayores compositores de la historia de la música.[1] Algunos opinan, sin embargo, que von Bülow incluyó a Brahms en dicha "trinidad" por despecho y para perjudicar a Wagner, con quien estaba enemistado desde que su esposa lo abandonó para <span style="font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%;">casarse con el otro compositor. <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Era hijo del contrabajista Johann Jakob Brahms (quien le dio sus primeras lecciones de música) y de Hersika Cristina Nissen. Su familia era pobre, y su infancia transcurrió en los suburbios de Hamburgo. Comenzó a estudiar piano a la edad de 7 años con el profesor Otto Cossel, y pronto se reveló como pianista aventajado, por lo que, siendo aún adolescente, contribuyó a los ingresos familiares con el dinero que ganaba impartiendo clases, tocando el piano en cafés, bares e incluso burdeles.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Brahms dio recitales de piano en público a partir de los 10 años, interpretando sobre todo música de cámara. Sus dotes para el piano desde niño fueron tales que un empresario le ofreció la oportunidad de ganar dinero haciendo giras por América, lo que fue rechazado por sus padres. También a esta edad empezó a estudiar con un prestigioso profesor de Hamburgo, Eduard Marxsen,[3] y comenzó a componer, aunque durante un tiempo tampoco consiguió que el público mostrase interés por sus obras. En 1853 realizó una gira de conciertos como acompañante del violinista húngaro Eduard Reményi. Durante el viaje tuvo ocasión de conocer a Joseph Joachim, que sería amigo suyo durante toda su vida, y que le presentó a Robert Schumann. Este último, además de compositor era editor de una revista prestigiosa de música,[4] y atrajo la atención de los críticos y empresarios de música sobre el joven Brahms, lo que contribuyó notablemente a que Brahms se convirtiese en un compositor conocido y apreciado. <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Aunque la relación entre Robert Schumann y Brahms duró hasta el fin de los días de Schumann, y Schumann le elogió y llegó a llamarle "El elegido", augurándole un brillante futuro en la música, el vínculo más destacable fue el que tuvo con la esposa de éste, Clara Schumann, una pianista reconocida en aquellos momentos, compositora también y con la que estableció una larga y profunda amistad que tuvo rasgos de amor platónico. Brahms solía presentarle a Clara sus obras antes de estrenarlas; muchas veces Clara Schumann fue la encargada de estrenar algunas de las obras pianísticas de Johannes. Brahms se integró en el círculo familiar de los Schumann, por lo que sufrió junto con Clara el intento de suicidio de Schumann y su posterior muerte en 1856. Durante esta época viajó frecuentemente por ciudades alemanas, trabajando como músico en la corte de Detmold. También mantuvo un breve romance con la cantante Agathe von Siebold.

=<span style="color: #008080; display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Anton Bruckner = <span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Josef Anton Bruckner (Ansfelden, 4 de septiembre de 1824 - Viena, 11 de octubre de 1896) fue un compositor y organista austriaco.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Nació en la pequeña ciudad de Ansfelden, en el norte de Austria. Su padre, que era maestro de escuela y tocaba el órgano de la iglesia local, imbuyó a su hijo las dos vocaciones a las que dedicaría su actividad profesional: la enseñanza y la interpretación como organista.[1] Devoto católico, sus estudios musicales se extendieron hasta la edad de 40 años, bajo la dirección de Simon Sechter y Otto Kitzler. Éste último lo introdujo al universo musical de Richard Wagner, que Bruckner estudió extensivamente desde 1863. Después de terminar sus estudios escribió su primera obra madura, la Misa en re menor.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">A partir de 1875 impartió armonía y contrapunto en la Universidad de Viena. Dentro del círculo de sus adeptos en la Universidad se encontraban Hans Rott, Hugo Wolf y Gustav Mahler, en ese entonces aún estudiantes.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">La escena musical vienesa estaba polarizada por los partidarios del estilo musical de Richard Wagner y los que preferían la música de Johannes Brahms. Al dedicar a Wagner su Tercera Sinfonía, Bruckner se ubicó sin desearlo en uno de los dos bandos. El crítico musical Eduard Hanslick, líder de la opinión culta, escogió a Bruckner como blanco de su ira antiwagneriana al calificar esta sinfonía como "si la Novena de Beethoven y la Walkiria de Wagner se mezclaran, y la primera acabara pisoteada por los cascos de los caballos de la segunda".

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">A pesar de todo, Bruckner tenía partidarios, entre los que se contaban famosos directores de orquesta como Arthur Nikisch y Franz Schalk, que intentaban constantemente acercar su música al público. Con este buen propósito propusieron al maestro gran cantidad de modificaciones a sus obras para hacer su música más aceptable al público. El carácter retraído de Bruckner hizo que consintiera en realizar algunos cambios, aunque se cercioró de conservar sus manuscritos originales, seguro de su validez. Éstos fueron posteriormente legados a la Biblioteca Nacional de Viena.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Otra prueba de la confianza de Bruckner en su capacidad artística es el hecho que él a menudo comenzaba el trabajo en una nueva sinfonía pocos días después de acabar la anterior. Además de sus sinfonías, Bruckner escribió misas, motetes, y otras obras corales sacras. Aunque Bruckner era un organista renombrado en su tiempo, impresionando a audiencias en Francia e Inglaterra con sus improvisaciones, no compuso ninguna obra importante para este instrumento (aunque sí compuso varias obras menores y escribió algunas transcripciones al órgano de sus sinfonías). Sus sesiones de improvisación le proporcionaron a veces ideas que desarrollaría posteriormente en sus sinfonías.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">El gran éxito del estreno de su Séptima Sinfonía en Leipzig en 1884 proporcionó finalmente a Bruckner el reconocimiento público que se le había negado hasta entonces. Según el propio Bruckner, encontró la inspiración para componer el tema principal del Adagio al saber que Wagner, su amado maestro, estaba agonizando, e incluyó por primera vez en su orquestación unas tubas wagnerianas para entonar el lamento fúnebre con el que concluye la pieza.[2]

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">No obstante, Bruckner vuelve a tener un serio contratiempo al preparar el estreno de su Octava Sinfonía, cuando el director de la orquesta, Hermann Levi, le devuelve la partitura con numerosas correcciones y críticas. Apesadumbrado, el maestro emprende una revisión general de la obra, que es finalmente estrenada, en esta segunda versión, por Hans Richter en Viena en 1892, con un éxito notable. Posiblemente afectado por el rechazo de la primera versión, Bruckner lleva a cabo una revisión exhaustiva de otras sinfonías anteriores, al tiempo que avanza lentamente en la composición de su Novena Sinfonía, que quedará finalmente inacabada.

<span style="display: block; font-family: Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 110%; text-align: justify;">Al final de su vida, Bruckner recibió diversos reconocimientos oficiales, entre los que destacan la condecoración con la Orden de Francisco José en 1886 y su nombramiento como doctor honoris causa por la Universidad de Viena en 1891 La vida del maestro se apaga en Viena el 11 de octubre de 1896. Sus restos reposan en la entrada de la iglesia de San Florián, justo debajo del gran órgano.

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